Nixon-Frost en el Principal

Nixon-Frost, de Peter Morgan. Teatre Lliure
Teatre Principal, 27 de noviembre

Los lenguajes se entrecruzan a la búsqueda de la obra total, aunque sean necesarios dos híbridos para hacer la suma: la película Frost/Nixon (Ron Howard, 2008) con pretensiones teatrales y esta narración teatral con recursos audiovisuales. Resultado: un pupurri que parece suspirar por lo que fue uno de los grandes espectáculos de la historia de la televisión. Viaje formal a través de distintos recursos y géneros para la reconstrucción transversal de algo que no llega a ser ni una cosa ni otra: la nostalgia nunca es buena compañera. Un canto a la televisión que se fue hace ya décadas, un tributo que es pronto devorado por el mito que pretende revivir. Mucha parafernalia en forma de puesta en escena, para asir lo inasible que ya forma parte de una dimensión heroica plagada de anécdotas elevadas a la categoría de imágenes para la eternidad. Nos quedamos pues ante un desfile de caricaturas presuntamente resucitadas mediante un ritmo pseudo frenético y una superposición de planos e imágenes para abducir nuestra atención. Pero poca, muy poca aproximación crítica, pobre estudio de personajes o perspectiva histórica propia de magazine: galería de héroes de la mala conciencia norteamericana. Una de tantas incursiones terapéuticas en el pecado original de no haber dado la talla de superpotencia bendecida por Dios, contadas en clave de espectáculo. ¿Cómo creernos este panfleto que nos queda tan lejos? Buen trabajo de escenografía pero resultado más bien discreto porque la fórmula no da más de sí. Personajes planos y diálogos que sólo resultan creíbles porque forman parte de la memoria histórica del imperio que nos han exportado. Demasiado cartón piedra envuelto con el celofán de aquella televisión que atraía audiencias multimillonarias. Los actores hacen lo que pueden para salvar un encargo sin matices ni desarrollo, consiguiendo un play back casi perfecto. De eso se trataba, ¿no?

Crítica publicada en el diario Ultima Hora

Cel·la 8, de Toni Oliver, Biel Lledó y Biel Jordà

Foto: FanTeatre

Cel·la 8, de Toni Oliver y Biel Lladó. TIC Teatre. Dirección: Biel Jordà
Teatre Xesc Forteza, 14 de noviembre

TIC vuelve a sus orígenes, o cuando menos los reivindica. Teatro militante comprometido con la realidad, una fórmula en desuso entre otras cosas porque resulta más difícil reelaborar la cotidianeidad que acogerse a la industria del gag. Quizás es que nos faltan escritores, y afortunadamente Toni Oliver ya ha atravesado experiencias personales y teatrales como para atreverse con miradas complejas ante un escenario aparentemente sencillo: a todos nos resultan familiares las escenas, los personajes, los diálogos, los temas. Pero ya sabemos que el mejor arte es aquel que hace fácil lo difícil. También es cierto que hay un director con el que forma equipo (casi ya un tándem: Oliver – Jordà) muy bien complementado. Y unos actores que parecen igualmente afines a un discurso realista y crítico. No recuerdo un trabajo tan completo de Laura Sánchez, por ejemplo, desbordante de registros y con una presencia escénica impresionante. Y ahí está el yonqui que clava Sergi Baos, lejos en sus otros papeles de excesos y otras tentaciones. ¿Algunas debilidades en este proyecto? Esquematismo literario tal vez, recurso al tópico: el yonqui buenazo pero sin voluntad, el ejecutivo chulo y sin fortaleza, el abusador, el degenerado minusválido: en todo caso una rica galería de tipos que resultan creíbles porque los autores saben retratarlos con los mínimos recursos: cuestión de acierto y eficacia. Especialmente meritoria la escenografía, que obvia el cartón piedra sin caer en pretenciosidades, y sobre todo juega con espacios simbólicos puntuales y toques de iluminación que permiten transiciones impecables. Impresionante el trabajo actoral, en cantidad (¿problemas de presupuesto o apuesta dramática intencionada?) y calidad. La complicidad del público, otro síntoma del acierto.

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Crítica publicada en el diario Ultima Hora

El Messies de Toni Albà

El Messies, de Patrick Barlow. Companyia Toni Albà. Dirección: Roger Peña
Teatre del Mar, 12 de noviembre

Fermí Fernández es uno de los ilustres veteranos más joviales: llevamos años viéndolo en la tele y cada vez parece más joven. Será cosa del humor, o que ha encontrado el secreto de Dorian Gray gracias a su pacto con la flema inglesa. Creo que ya parecía imperturbable antes de pasar por Buenafuente y quién sabe si antes de contemplar a la troupe de Monty Python. Pero ha encontrado en Albà su media naranja: tan pareja de hecho que incluso pueden compartir orgía con una diva en un menage a trois que por lo mismo no acaba de funcionar. El kinético sobreactuado junto al autista que sólo se descontrola para exigir la vuelta a la normalidad académica: equilibrio que fluye con la naturalidad de los hermanos Marx y que por lo mismo se contagia de principio a fin. El público atesta el teatro de risas porque de entrada está ganado para la causa: cualquier accidente sobre el escenario es un chiste gracioso, por lo que los hermanos de Reus no necesitan hacer el payaso. La gente se lo pasa en grande porque está invitada a la fiesta y vive la reconstrucción del misterio cristiano con la misma ingenuidad que aplica Fernández: no hay obscenidad ni sacrilegio en esta lectura desajustada de los Evangelios, aplicada con esfuerzo y ganas. Así, las mayores barbaridades (¿hubo alguna?) parecen chistes de Juanito servidos con informalidad y recibidos con la más desenfadada complicidad. La historia (difícil, porque todo está anunciado desde la primera escena) avanza y aún mejora. Toni Albà hace un insólito ejercicio de administración, dejando para las escenas finales su variado repertorio de muecas y contorsionismos. Sobra la cantante porque los dos actores se bastan y sobran para contarnos la vida de Bryan.

PaGAGnini: Paganini se quedó corto

Pagagnini.
Yllana. Auditorium, 6 de noviembre 2009

En una palabra: fantástico. O en otra: bestial. ¿Qué pasaría sin en medio de un recital de lo más clásico sonara un móvil de forma insistente? Es más, ¿qué sucedería si el móvil es del concertino y este se ve obligado a atender la llamada sin que se interrumpa el Minueto de Beethoven que están tocando? ¿Puede transformarse el Canon de Pachelbel en una fiesta country del Oeste más profundo y a continuación en un tango ceremonial sin solución de continuidad? ¿Se puede dormir un violinista en plena actuación? Esta y otras eventualidades más insólitas (mejor: imposibles, prohibidas) son resueltas en el espectáculo que firma Yllana y protagonizan cuatro solistas muy por encima del nivel habitual de los instrumentistas de cuerda incluso profesionales. Pagagnini es un show que lleva años rodando en los teatros españoles, de forma que no hay timideces ni dudas en su ejecución. Las transiciones ni se notan, y las dificultades más extremas son resueltas con una total naturalidad. Máximo virtuosismo técnico al servicio de una puesta en escena comiquísima todavía más virtuosa: ¿se pueden tocar pasajes complicadísimos en el violín mientras se está rodando por los suelos? Virtuosismo también estilístico: repaso brillante a géneros tan distintos como flamenco, blues o heavy metal, caricaturizados con tanto ingenio como el aplicado para desmitificar el repertorio clásico con toda su pompa y circunstancia: tics y rituales reducidos a absurdos hilarantes. Humor gamberro (marca de la casa Yllana) en manos (y pies) de un cuarteto de músicos increíbles que además se dan el gusto de jugar con el público. Participando haciendo ritmos o cediendo a dos supuestos voluntarios para una imperdible interpretación de una pieza contemporánea. El gag del “Je t’aime, mon amour”, genial.

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Crítica publicada en el diario Ultima Hora

A continuación uno de los gags, en un vídeo de una actuación antigua, como compensación a quienes no han visto el espectáculo:

La Simfònica con Adrian Leaper

O.S.B. Obras de Haendel, Lalo y V.Williams. Solista: Shunsuke Sato. Director: Adrian Leaper
Auditòrium, 5 de noviembre

Buen concierto, equilibrado en contenido y en el reparto de méritos. La suite de Haendel, muy estructurada en colores y temas, quizás demasiado brillante si tenemos en cuenta que por muy acuática y festiva no deja de ser música barroca, pero en todo caso interpretada con rigor a pesar de algunos desajustes. La sinfonía (en realidad, concierto para violín), igualmente convincente en la definición del diálogo orquestal, con el atractivo de un muy buen solista. Curiosamente, poco afín en su personalidad musical y técnica, más bien sobria, con las características de la obra, colorista y extrovertida. Sato es un violinista joven pero nada juvenil; toca con una naturalidad propia de un maestro. Solvente en grado sumo, con buen sonido y una envidiable mano izquierda ajena a tensiones de cualquier tipo, como demostró de nuevo en un capricho de Paganini, abordado con la misma paradójica falta de espectacularidad anterior. Pero si extraordinario fue el solista, todavía más influyente resultó la presencia del director en la segunda parte. Una obra nada fácil como la segunda sinfonía de Vaughan Williams (tampoco lo resulta la obra de Lalo en una primera audición) encontró en nuestra orquesta un más que digno intérprete. Ejecución de estas que no levantan al público de sus asientos pero consolidan prestigio y currículum. Versión recreada en sus muchos detalles y cambios de registro, mimada gracias al trabajo de un director que justificó la fama que le avala. La orquesta volvió a demostrar su capacidad para abordar composiciones de largo aliento. No hubo momentos de decaimiento ni pasajes resueltos con superficialidad, sino un estupendo trabajo de conjunto, traducido en una sonoridad versátil y poderosa, de estas que define a las grandes orquestas sinfónicas. Así lo entendió y reconoció el público, que también crece musicalmente con la calidad de estos invitados y de obras como esta.

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Crítica publicada en el diario Ultima Hora

Millenium 2

Prescindible. Película plana: personajes planos, escenas planas, tema plano, argumento plano. El nuevo director de la saga echa mano de la tijera, y la trama queda reducida a dimensiones comerciales. Pero el resto queda reducido a un trailer. Queda un ritmo (también plano) fluido, una fotografía en ocasiones atractiva. Y un aire entre documental y desabrido, como si la película hubiese sido adaptada por lectores hartos de oir hablar de la novela. Para los que hayan leído esta segunda entrega, decepción. Para los que no lo hayan hecho, confusión. Prescindible del todo.

El silencio de sus ojos

Un peliculón, pura literatura. Reflexiva, dubitativa, metafísica. Pero ligera. Nada de peñazo intelectualista. Humor, thriller, amor. pero sobre todo, el tiempo (ese protagonista único aunque en segundo plano de la buena literatura) La memoria como juego y perspectiva para reconstruir el horror de aquella dictadura argentina que todos hemos vivido en alguna versión propia: mediocridad, corrupción, violencia institucional. El silencio cómplice. Pero decía que es mucho más que un viaje por los recuerdos y el trauma que supuso aquel episodio. La película evita la denuncia para refugiarse en los mensajes subliminales mucho más contundentes: la justicia personal y civilizada como venganza y forma de recuperar la dignidad robada por la Justicia administrativa o gubernamental. Y una historia de amor superpuesta a la que da lugar a la investigación parapolicial, sin besos. No hay sexo ni apenas disparos en esta película tan romántica y tan violenta. Un peliculón, decía: ambigua en su construcción argumental, implacable en su retrato de aquella sociedad de la que provienen tantas democracias. Si le quitamos el desenlace (doble: el de los enamorados, el de los verdugos), una película perfecta. Lenta e intensa, con personajes que días, semanas, después nos acompañan.

Festival MúsicaMallorca, concierto inaugural

Gràcies Amadeus! Concert de gala inaugural. Festival MúsicaMallorca
Teatre Principal, 10 de octubre

No se entiende bien que aparezcan los cuatro solistas para presidir un Ave Verum que no tiene partituras para ellos. A no ser que forme parte de un diseño de producción que prima el espectáculo sobre la música. Tampoco tiene justificación sacar a toda una Capella Mallorquina a escena para tenerla sentada más de una hora en reserva para una breve intervención final en cada una de las dos partes. Y acabo. No parece de recibo que tras un concierto completo de clarinete se elija como bis un largo fragmento del segundo movimiento, orquesta ioncluida. A no ser, de nuevo, que encaje en una escaparate que se mida más por la cantidad que por la funcionalidad. En fin, que la inauguración de un Festival que aspira a convertirse en referencia internacional se acogió más al efectismo que a la calidad: los solistas seleccionados no tienen el nivel acorde con las pretensiones de un concierto ambicioso que pretendía ser todo un homenaje a Mozart pero que no pasó de ser un pupurri de arias, la mayoría de poca entidad. El público, con todo, aplaudió y disfrutó de una velada con glamur impostado. Quizás convendría aclarar en el programa que no es de buena educación aplaudir entre movimientos de una misma obra. O hay que darle tiempo al tiempo para educar también a un público que mostró masivamente su predisposición a apoyar el festival. Lo mejor: el programa de mano, la profesionalidad de la coral, la juventud de la orquesta (superada en ocasiones por la exigencia de algunos pasajes, compensada por el buen hacer de la madera) y el buen trabajo del director. Curiosa mezcla de categorías y perfiles, que hablan de una indefinición de criterios afortunadamente sacados adelante por José Mª Moreno. Se multiplicó para que las partes confluyesen y no se resintiese el conjunto, entregado a un sobresfuerzo que tuvo su recompensa. Gracias a él, llegamos al final de la velada sin contratiempos.

Crítica publicada en el diario Ultima Hora

Au ments: Petit ball

Petit ball. Au ments. Dirección y coreografía: Andrea Cruz y Tomeu Gomila
Teatre Principal, 25 de septiembre

La guerra civil con toda su tristeza, ¿contada con ternura? Bombas, asesinatos, exilio, miseria moral, discursos que enfrían el alma, ruptura humana por dentro y por fuera. Pero Au ments escoge a un niño como protagonista y no carga tintas victimistas para conquistar nuestra lágrima fácil. El niño juega, por mucho que el avión se pierda o transforme. Desde su mirada la guerra nos llega con sordina. Más absurda tal vez, más extraña. Como le pasa a Rosita, la marioneta cortejada por un fascista y un izquierdista. ¿Todo es igual? No, pero la condena y la crónica no forma parte de un espectáculo que asume la reconstrucción estética, el acercamiento emocional. Magníficas estampas que golpean nuestra percepción, que la perturban. El frenesí de la huida a ninguna parte retratado en su dimensión colectiva y anónima. Au ments nos cuenta su versión de la guerra civil, recordada, interiorizada como una explosión de músicas (popular, tradicional, culta contemporánea; entre el pollito y pasodobles) asomadas tras o entre el bramido del viento y de los bombardeos. Hay mucho trabajo de luminotecnia en este espectáculo, la luz mortecina y racionada ilustra desde la primera escena la pobreza de la época, pobreza física y psicológica en la que apenas hay resquicio para alegrías cotidianas como la de un furtivo beso. Y sin embargo, el resultado no es asfixiante ni se hace pesado de digerir. Emociona, y por eso atrae o seduce lo justo como para no involucrarnos en su mensaje: la distancia sobre todo. Elegante, mágica. Los movimientos justos, también las pausas, los silencios, la oscuridad. Homenaje a los que sufrieron, desde el respeto. Aplausos.

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Artículo publicado en el diario Ultima Hora

La vida por delante de Concha Velasco

La vida por delante, de Romain Gary. Dirección: Josep Maria Pou
Auditòrium, 18 de septiembre

Otro llenazo en el Auditòrium, y el público volvió a salir contento. Encontró lo que buscaba. Promesas cumplidas: una historia que emociona, unos personajes (en realidad, sólo dos pero no les hace falta más) bien construidos, un mensaje positivo y unos actores que bordan su papel. Y en el mismo paquete, Ella. Concha es mucho Concha, quizás la última diva del espectáculo español. Una profesional curtida y carismática que en este papel encuentra y aprovecha la oportunidad de exhibir sus magníficos muchos años. Me gustó más que en sus anteriores trabajos, mostrados aquí mismo, desde el musical que le regaló su ex Pedro Masó a aquel Gala que se pasaba de pretencioso. Concha sin otro maquillaje que el necesario para mostrar la vejez de una prostituta judía que nos recordaba a la loca de Chaillot que popularizara Katherine Hepburn en el cine. La historia está fabricada sobre tópicos pero funciona. El dúo materno-filial impone un discurso antipigmalístico que resulta creíble, por mucho que las referencias chistosas a los hijos de puta tengan un punto literario que en todo caso se justifica dentro del registro de comedia que empapa toda la obra. Ternura a la hora de retratar esta madre coraje, en la que el autor quiere sintetizar las consignas de hermanamiento y solidaridad. No importa que haya trampa (él es absorbido por Ella, y el mismo desenlace es una glorificación de las señas de identidad judías), el llamamiento a la tolerancia se expande entre las butacas sin ninguna resistencia. Lo mejor, la presencia de Concha Velasco sobre las tablas, con la vitalidad y entusiasmo juvenil que la caracterizan y comparte con su personaje. Madame Rosa envejece con la misma dignidad con que renace Concha Velasco.

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Crítica publicada en el diario Ultima Hora