PaGAGnini: Paganini se quedó corto

Pagagnini.
Yllana. Auditorium, 6 de noviembre 2009

En una palabra: fantástico. O en otra: bestial. ¿Qué pasaría sin en medio de un recital de lo más clásico sonara un móvil de forma insistente? Es más, ¿qué sucedería si el móvil es del concertino y este se ve obligado a atender la llamada sin que se interrumpa el Minueto de Beethoven que están tocando? ¿Puede transformarse el Canon de Pachelbel en una fiesta country del Oeste más profundo y a continuación en un tango ceremonial sin solución de continuidad? ¿Se puede dormir un violinista en plena actuación? Esta y otras eventualidades más insólitas (mejor: imposibles, prohibidas) son resueltas en el espectáculo que firma Yllana y protagonizan cuatro solistas muy por encima del nivel habitual de los instrumentistas de cuerda incluso profesionales. Pagagnini es un show que lleva años rodando en los teatros españoles, de forma que no hay timideces ni dudas en su ejecución. Las transiciones ni se notan, y las dificultades más extremas son resueltas con una total naturalidad. Máximo virtuosismo técnico al servicio de una puesta en escena comiquísima todavía más virtuosa: ¿se pueden tocar pasajes complicadísimos en el violín mientras se está rodando por los suelos? Virtuosismo también estilístico: repaso brillante a géneros tan distintos como flamenco, blues o heavy metal, caricaturizados con tanto ingenio como el aplicado para desmitificar el repertorio clásico con toda su pompa y circunstancia: tics y rituales reducidos a absurdos hilarantes. Humor gamberro (marca de la casa Yllana) en manos (y pies) de un cuarteto de músicos increíbles que además se dan el gusto de jugar con el público. Participando haciendo ritmos o cediendo a dos supuestos voluntarios para una imperdible interpretación de una pieza contemporánea. El gag del “Je t’aime, mon amour”, genial.

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Crítica publicada en el diario Ultima Hora

A continuación uno de los gags, en un vídeo de una actuación antigua, como compensación a quienes no han visto el espectáculo:

La Simfònica con Adrian Leaper

O.S.B. Obras de Haendel, Lalo y V.Williams. Solista: Shunsuke Sato. Director: Adrian Leaper
Auditòrium, 5 de noviembre

Buen concierto, equilibrado en contenido y en el reparto de méritos. La suite de Haendel, muy estructurada en colores y temas, quizás demasiado brillante si tenemos en cuenta que por muy acuática y festiva no deja de ser música barroca, pero en todo caso interpretada con rigor a pesar de algunos desajustes. La sinfonía (en realidad, concierto para violín), igualmente convincente en la definición del diálogo orquestal, con el atractivo de un muy buen solista. Curiosamente, poco afín en su personalidad musical y técnica, más bien sobria, con las características de la obra, colorista y extrovertida. Sato es un violinista joven pero nada juvenil; toca con una naturalidad propia de un maestro. Solvente en grado sumo, con buen sonido y una envidiable mano izquierda ajena a tensiones de cualquier tipo, como demostró de nuevo en un capricho de Paganini, abordado con la misma paradójica falta de espectacularidad anterior. Pero si extraordinario fue el solista, todavía más influyente resultó la presencia del director en la segunda parte. Una obra nada fácil como la segunda sinfonía de Vaughan Williams (tampoco lo resulta la obra de Lalo en una primera audición) encontró en nuestra orquesta un más que digno intérprete. Ejecución de estas que no levantan al público de sus asientos pero consolidan prestigio y currículum. Versión recreada en sus muchos detalles y cambios de registro, mimada gracias al trabajo de un director que justificó la fama que le avala. La orquesta volvió a demostrar su capacidad para abordar composiciones de largo aliento. No hubo momentos de decaimiento ni pasajes resueltos con superficialidad, sino un estupendo trabajo de conjunto, traducido en una sonoridad versátil y poderosa, de estas que define a las grandes orquestas sinfónicas. Así lo entendió y reconoció el público, que también crece musicalmente con la calidad de estos invitados y de obras como esta.

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Crítica publicada en el diario Ultima Hora

Millenium 2

Prescindible. Película plana: personajes planos, escenas planas, tema plano, argumento plano. El nuevo director de la saga echa mano de la tijera, y la trama queda reducida a dimensiones comerciales. Pero el resto queda reducido a un trailer. Queda un ritmo (también plano) fluido, una fotografía en ocasiones atractiva. Y un aire entre documental y desabrido, como si la película hubiese sido adaptada por lectores hartos de oir hablar de la novela. Para los que hayan leído esta segunda entrega, decepción. Para los que no lo hayan hecho, confusión. Prescindible del todo.

El silencio de sus ojos

Un peliculón, pura literatura. Reflexiva, dubitativa, metafísica. Pero ligera. Nada de peñazo intelectualista. Humor, thriller, amor. pero sobre todo, el tiempo (ese protagonista único aunque en segundo plano de la buena literatura) La memoria como juego y perspectiva para reconstruir el horror de aquella dictadura argentina que todos hemos vivido en alguna versión propia: mediocridad, corrupción, violencia institucional. El silencio cómplice. Pero decía que es mucho más que un viaje por los recuerdos y el trauma que supuso aquel episodio. La película evita la denuncia para refugiarse en los mensajes subliminales mucho más contundentes: la justicia personal y civilizada como venganza y forma de recuperar la dignidad robada por la Justicia administrativa o gubernamental. Y una historia de amor superpuesta a la que da lugar a la investigación parapolicial, sin besos. No hay sexo ni apenas disparos en esta película tan romántica y tan violenta. Un peliculón, decía: ambigua en su construcción argumental, implacable en su retrato de aquella sociedad de la que provienen tantas democracias. Si le quitamos el desenlace (doble: el de los enamorados, el de los verdugos), una película perfecta. Lenta e intensa, con personajes que días, semanas, después nos acompañan.

Festival MúsicaMallorca, concierto inaugural

Gràcies Amadeus! Concert de gala inaugural. Festival MúsicaMallorca
Teatre Principal, 10 de octubre

No se entiende bien que aparezcan los cuatro solistas para presidir un Ave Verum que no tiene partituras para ellos. A no ser que forme parte de un diseño de producción que prima el espectáculo sobre la música. Tampoco tiene justificación sacar a toda una Capella Mallorquina a escena para tenerla sentada más de una hora en reserva para una breve intervención final en cada una de las dos partes. Y acabo. No parece de recibo que tras un concierto completo de clarinete se elija como bis un largo fragmento del segundo movimiento, orquesta ioncluida. A no ser, de nuevo, que encaje en una escaparate que se mida más por la cantidad que por la funcionalidad. En fin, que la inauguración de un Festival que aspira a convertirse en referencia internacional se acogió más al efectismo que a la calidad: los solistas seleccionados no tienen el nivel acorde con las pretensiones de un concierto ambicioso que pretendía ser todo un homenaje a Mozart pero que no pasó de ser un pupurri de arias, la mayoría de poca entidad. El público, con todo, aplaudió y disfrutó de una velada con glamur impostado. Quizás convendría aclarar en el programa que no es de buena educación aplaudir entre movimientos de una misma obra. O hay que darle tiempo al tiempo para educar también a un público que mostró masivamente su predisposición a apoyar el festival. Lo mejor: el programa de mano, la profesionalidad de la coral, la juventud de la orquesta (superada en ocasiones por la exigencia de algunos pasajes, compensada por el buen hacer de la madera) y el buen trabajo del director. Curiosa mezcla de categorías y perfiles, que hablan de una indefinición de criterios afortunadamente sacados adelante por José Mª Moreno. Se multiplicó para que las partes confluyesen y no se resintiese el conjunto, entregado a un sobresfuerzo que tuvo su recompensa. Gracias a él, llegamos al final de la velada sin contratiempos.

Crítica publicada en el diario Ultima Hora

Au ments: Petit ball

Petit ball. Au ments. Dirección y coreografía: Andrea Cruz y Tomeu Gomila
Teatre Principal, 25 de septiembre

La guerra civil con toda su tristeza, ¿contada con ternura? Bombas, asesinatos, exilio, miseria moral, discursos que enfrían el alma, ruptura humana por dentro y por fuera. Pero Au ments escoge a un niño como protagonista y no carga tintas victimistas para conquistar nuestra lágrima fácil. El niño juega, por mucho que el avión se pierda o transforme. Desde su mirada la guerra nos llega con sordina. Más absurda tal vez, más extraña. Como le pasa a Rosita, la marioneta cortejada por un fascista y un izquierdista. ¿Todo es igual? No, pero la condena y la crónica no forma parte de un espectáculo que asume la reconstrucción estética, el acercamiento emocional. Magníficas estampas que golpean nuestra percepción, que la perturban. El frenesí de la huida a ninguna parte retratado en su dimensión colectiva y anónima. Au ments nos cuenta su versión de la guerra civil, recordada, interiorizada como una explosión de músicas (popular, tradicional, culta contemporánea; entre el pollito y pasodobles) asomadas tras o entre el bramido del viento y de los bombardeos. Hay mucho trabajo de luminotecnia en este espectáculo, la luz mortecina y racionada ilustra desde la primera escena la pobreza de la época, pobreza física y psicológica en la que apenas hay resquicio para alegrías cotidianas como la de un furtivo beso. Y sin embargo, el resultado no es asfixiante ni se hace pesado de digerir. Emociona, y por eso atrae o seduce lo justo como para no involucrarnos en su mensaje: la distancia sobre todo. Elegante, mágica. Los movimientos justos, también las pausas, los silencios, la oscuridad. Homenaje a los que sufrieron, desde el respeto. Aplausos.

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Artículo publicado en el diario Ultima Hora

La vida por delante de Concha Velasco

La vida por delante, de Romain Gary. Dirección: Josep Maria Pou
Auditòrium, 18 de septiembre

Otro llenazo en el Auditòrium, y el público volvió a salir contento. Encontró lo que buscaba. Promesas cumplidas: una historia que emociona, unos personajes (en realidad, sólo dos pero no les hace falta más) bien construidos, un mensaje positivo y unos actores que bordan su papel. Y en el mismo paquete, Ella. Concha es mucho Concha, quizás la última diva del espectáculo español. Una profesional curtida y carismática que en este papel encuentra y aprovecha la oportunidad de exhibir sus magníficos muchos años. Me gustó más que en sus anteriores trabajos, mostrados aquí mismo, desde el musical que le regaló su ex Pedro Masó a aquel Gala que se pasaba de pretencioso. Concha sin otro maquillaje que el necesario para mostrar la vejez de una prostituta judía que nos recordaba a la loca de Chaillot que popularizara Katherine Hepburn en el cine. La historia está fabricada sobre tópicos pero funciona. El dúo materno-filial impone un discurso antipigmalístico que resulta creíble, por mucho que las referencias chistosas a los hijos de puta tengan un punto literario que en todo caso se justifica dentro del registro de comedia que empapa toda la obra. Ternura a la hora de retratar esta madre coraje, en la que el autor quiere sintetizar las consignas de hermanamiento y solidaridad. No importa que haya trampa (él es absorbido por Ella, y el mismo desenlace es una glorificación de las señas de identidad judías), el llamamiento a la tolerancia se expande entre las butacas sin ninguna resistencia. Lo mejor, la presencia de Concha Velasco sobre las tablas, con la vitalidad y entusiasmo juvenil que la caracterizan y comparte con su personaje. Madame Rosa envejece con la misma dignidad con que renace Concha Velasco.

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Crítica publicada en el diario Ultima Hora

Paco Ibáñez en el Teatre Principal

Palabras
Paco Ibáñez
Teatre Principal, 12 de septiembre

El mismo look, y perdón por el anglicismo que evoca una cultura ajena impuesta por los bárbaros de más allá del Atlántico. ¿La misma guitarra? Puede ser: lo importante es el sentimiento, la emoción, el arte. Me lo decía mi abuelito, me lo decía mi pa-pá. Y allí estaba el cantante del Olympia, hijo de republicano exiliado, alabando la isla (Mallorca, Palma de Mallorca) y una nómina que para muchos de sus habitantes y casi todos sus turistas resultará desconocida: Castaldo, Barceló, Bonet. El mismo semblante, el mismo uniforme existencialista, el mismo repertorio, la misma voz. Menos rota de lo que hubiésemos apostado hace cuarenta años: clarita en los agudos y siempre afinada. En todo caso más dulce, más didáctica. Se le entienden mejor las letras (aunque se le olvide puntualmente alguna) porque ha intensificado su rol de evangelizador. Predica el antimaterialismo que aprendió en los bosques de su infancia y se resiste a dejarse dominar por macdonalds sin alma. Cantó el Paco Ibáñez canónico, de las Coplas manriqueñas a San Juan, Góngora, Quevedo y varios emocionados romances, siempre la parte más lírica de su obra. Hubo más Goytisolo (del lobito a Julia pasando por el abuelito) que poesía anterior a la guerra civil. Un Machado flojito, Alberti, Neruda, dos de Lorca. Hubo también algunas invitaciones a corear sus himnos, asumidas con la discreción que requería el acto y la personalidad de un antidivo. Un cumpleaños feliz alternativo o el último verso de Abenámar, el moro de la morería. Sin asomo de histeria ni euforia ni siquiera prisas, el recital (un viaje a través del túnel de la memoria predemocrática) transcurrió tranquilo y educado. Con el respeto y la admiración que se merece todo un maestro que reivindica la palabra.

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Crítica publicada en el diario Ultima Hora

Maribel y Aitana, hijas de un dios nada salvaje

Ellas
Un dios salvaje, de Yasmin Reza. Dirección: Tamzin Towsend
Auditòrium, 9 de septiembre

Al fin llegó a Palma uno de los mayores éxitos comerciales de la temporada teatral. Durante este tiempo, nos hemos topado con Aitana y Maribel en las televisiones contando las maravillas de la obra, de la que dejaban caer pistas: violencia doméstica, hipocresía familiar. Y sobre todo muchas risas. Fuimos pues al estreno en peregrinación a la santísima trinidad: las dos divas (espléndidas y flaquísimas) más Yasmina Reza, un nombre que ha conseguido el milagro de poner de moda un autor no anglosajón. La fórmula funciona, y el público sale más que contento: dos horas de comedia al estilo de las Escenas de matrimonio pero en fino, en directo y en profesional. Dejemos de lado a la pareja masculina (Antonio Molero en su papel rústico que lo ha hecho triunfar en diversas series, y un Pere Ponce sobreactuado pero convincente) porque la cosa va de guerra entre mujeres: las actrices y sus personajes. Digamos que empieza y acaba en tablas, sin más posibilidades de lucimiento que las ofrecidas por un texto más bien plano que no contiene las sutilezas de Arte pero afortunadamente es ajeno a su sofisticación. No hay argumento sino situación, no hay desarrollo sino retrato. Esto hace que toda la atención y el mérito recaiga en el trabajo actoral. Brillante y eficaz, adaptado al registro cómico casi caricaturesco que se vende como crítico y social. Le falta al texto la ambición por descubrir resortes psicológicos al margen de los que provocan situaciones explosivas y silencios que funcionan como transición y gancho para atraer más la atención del espectador. Por lo mismo, el final es anticlimático. No hay desenlace o conclusión o propuesta a tanta denuncia: se trataba de un simple divertimento, servido en formato mediático.

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Crítica publicada en el diario Ultima Hora

Pimpinela en Palma, inicio de la gira en España

Pimpinela
Auditòrium, 5 de septiembre

Pimpinela es una religión y como tal tiene sus fieles y su liturgia. Empieza y acaba de forma parecida, el círculo que se cierra: con retraso (media hora de espera) y con una críptica referencia al tiempo. Las máscaras iniciales son descifradas con la frase que cierra el espectáculo: “Aunque pase el tiempo”. Entre, más de lo mismo pero con más color, más luces, y unos cuantos watios de más. También con un poco menos de voz en Joaquín, algo que encaja en el guión de Pimpineland: el hombre inútil. A su lado. Lucía canta más y mejor que nunca, expresión musical y física del poder femenino. “Vete y no vuelvas nunca”. Como toda religión, Pimpinela tiene sus himnos, que no son otros que el núcleo duro de sus canciones, mezcla de diálogo de culebrón y manual de protofeminismo, que por lo visto y compartido (toda religión verdadera es una fiebre concelebrada) sigue encandilando a antiguos y nuevos fans. Mucha gente joven en un público que no necesita ser invitado a participar porque se siente mejor que en casa, con derecho a ser escuchado. Los dos sacerdotes responden a las arengas y piropos con la misma profesionalidad buenrrollista que despliegan al contar anécdotas de corte familiar-sentimental o testimonios de su Hogar para niños abandonados. Homenaje a su madre (símbolo del eterno femenino, argumento único de la mayoría de letras) española, en una canción menos conseguida que el resto de su repertorio de siempre, caracterizado por este combate de boxeo amañado que volvimos a presenciar: Ella gana pero el público se apiada de Él. El eterno masculino: un ser inconsistente pero guapo, inepto para la pareja e incapaz de satisfacer a cualquier mujer. Representación de la lucha de sexos acotada a la ficción musical y envuelta en pañales de hermandad: la de los cantantes pero también la de Argentina con España o la del mismo público (dividido en dos mitades para corear una canción que funciona como el “Podéis ir en paz”) El tiempo, decíamos, teñido de generosidad. Hubo referencias a los 25 años de Pimpinela pero también a los 40 del Auditorium. Toda una fiesta.

Crítica publicada en el diario Ultima Hora